MounQup. Electrónica rural en Sesión Sonora

Recuerdo leer en una de las famosas entrevistas a la islandesa Björk que las mujeres “han de repetir cinco veces lo que quieren decir si quieren ser escuchadas en el mundo de la industria musical en comparación con el hombre”. Han pasado algunos años de esta declaración, pero el mundo que nos rodea no parece haber cambiado lo más mínimo en ese sentido.

MounQupo Camille Hédouin, bajo la etiqueta de Björk gallega, es una de las relativamente pocas artistas mujeres que se desarrollan en el ámbito de la música electrónica y experimental en España. Completamente autodidacta, defiende un estilo musical muy personal alejado de lo corriente. Máquinas obsoletas, antiguos sonidos de ordenador e instrumentos alejados de lo convencional como la kalimba (una pequeña estructura de madera que se toca con los pulgares) son la base que sustenta su música. El pasado 22 de junio en el Casino Antiguo de Castellón disfrutamos de su singular sonido en una actuación que forma parte del ciclo de conciertos de Sesión Sonora, una propuesta castellonense que nace de la ambición de dar visibilidad a las mujeres del mundo de la electrónica y la música experimental.

“En realidad, me adentré de lleno en la música contemporánea a raíz del nacimiento de mi hija. Muchas mujeres abandonan sus sueños o aquello que quieren realizar en la vida una vez que tienen hijos, no creo que deba ser así. Para mí ha sido toda una motivación”, explica Hèdouin. Y es que su hija se ha convertido en una inagotable fuente de inspiración para ella. El tema ‘Ses Larmes’, perteneciente a su último trabajo Castro Verdi es ejemplo de ello. “Al no entender de notas ni de acordes, los sentimientos y las emociones son muy importantes para mí a la hora de componer. En este tema, el hecho de dar el pecho a mi hija se convirtió en un pensamiento recurrente a la hora de emprender mi composición. Pensar en los meses que estaba en estado, la fuerza y el momento de dar a luz… Todo ese torrente de emociones los he intentado concentrar en esta canción“.

 

Tras su mesa de operaciones en la que se encuentra su launchpad digital (un ejército de botones perfectamente ordenados), los sintetizadores de voz y sus loops y samplers, Camille desprende una libertad arrolladora. A través de una voz versátil aparecen canciones que reivindican temas ecológicos, así como la situación política en la que nos encontramos. “Tal y como están las cosas, cada vez me apetece menos cantar sobre canciones de amor. Creo que es importante cantar sobre la desigualdad“, asegura Hèdouin, y lo hace mediante el mix de influencias que le han acompañado desde los 15 años: jazz, ritmos africanos, la música folk… “Yo defino la música que hago como ‘electrónica rural’, pero escucho muchas cosas, no tengo barreras. Me gusta mezclar”. El resultado es una propuesta original que vale la pena escuchar.

Sesión Sonora. La creatividad de las mujeres en la escena musical electrónica.

Sesión Sonora es una iniciativa que surge para dar visibilidad a las mujeres artistas del campo de la música experimental“, asegura Lorenza Barboni una de las organizadoras del ciclo de conciertos. El proyecto dio inicio en enero con la artista rusa Mary Ocher y desde entonces no ha dejado de crecer gracias a la gran acogida que ha recibido Sesión Sonora por parte del público. El lugar donde se da rienda suelta a la experimentación musical es el Casino Antiguo de Castellón, un emplazamiento que rompe absolutamente con todas las expectativas para el tipo de proyecto que se trata, tan poco conservador. Esta ubicación está premeditada al milímetro. “Queríamos que el sitio donde se celebraran las actuaciones contrastara completamente con este tipo de música y lo que comúnmente se asocia a esta”. Sin lugar a dudas, es el toque de contaminación lo que dota de una esencia única a un proyecto comprometido que ya está buscando a su próxima invitada.

Heatwaves, el retorno a los 60

“Estamos en búsqueda de nuestro sonido definitivo”

La banda de power pop castellonense Heatwaves lanza su segundo EP, Heatwaves #2, una combinación adictiva entre estilo propio y sonido 60’s que, acompañado de los juegos vocales de Ana Beltrán, es la que logra atrapar al que lo escucha en una atmósfera retro única.

20645464_1924754134471667_4001718957501787144_o.pngFoto: Wally Sanz.

Nuevo trabajo y objetivos definidos. Si algo quiere transmitir Heatwaves con su nuevo EP es la ambición de avanzar hacia un estilo propio. “Queremos desarrollar un sonido característico del grupo, que con el primero lo conseguimos creo que a medias ya que nuestra música estaba más enfocada al sonido de grupos de chicas de los 60. Con este último EP damos un pasito más en cuanto a los arreglos, producción y al estilo de las canciones“.

En la línea de su primer disco, la banda apuesta por expandir sus límites y buscar su camino. Todo ello a través de unas letras que siguen la senda autobiográfica de su autora y cantante, Ana Beltrán: “Inevitablemente el amor es un cliché universal y cuando escribes música así siempre hay cierta nostalgia”. De este último sentimiento es el que queda impregnado “In My Teens”, su single principal que pronto tendrá videoclip propio. “Ese tema tiene una nostalgia especial porque yo hace tiempo que ya salí de la adolescencia y la echo mucho de menos. Habla de una chica que va por ahí rompiendo la pana y luego se da cuenta de que la vida no es solo eso. Al final madura y encuentra una relación que le echa en cara ciertas cosas que hizo en el pasado y ella le replica un poco que ya no es así. ¡Aunque me encantaría volver a my teens!“, asegura Ana entre risas.

De cuatro canciones que presenta el EP destaca “Question de Temps”, el único tema en francés. No es casualidad, el bajista Jose Dolz es coleccionista de Françoise Hardy: “La idea surgió porque me encanta toda la música francesa de los años sesenta. Así que decidimos orientar la producción de este tema hacia los discos de Françoise Hardy: muy poca guitarra, sonido muy limpio y mucho reverb en la voz. Es una canción que si estuviese en un LP de 12 canciones sonaría totalmente diferente“.

Inspirados, precisamente, por la música francesa de los sesenta sorprende que sigan incluso el formato con el que artistas como Johnny Hallyday sacaban sus trabajos en esa época: solo EP’s. “No somos un grupo que vayamos a tener un desarrollo para vender CD’s, así que decidimos hacerlo como una cosa que nos apetecía hacer a nosotros”, explica Jose, “aparte lo bueno es que entras más veces en el estudio, que grabar es muy chulo. Meterte en el estudio para grabar 15 temas es un esfuerzo brutal, en cambio grabar cinco o seis temas es más bien un capricho porque es carísimo, pero así también nos aseguramos de que no hay ninguna canción de relleno“.

En directo interpretan algo menos de veinte temas, ocho pertenecientes a sus EP’s y varios temas inéditos. Material no les falta y, por ahora, siguen componiendo y preparando lo que será su Heatwaves #3. “Nuestro objetivo es seguir creciendo y seguir sacando EP’s, aunque no cerramos la puerta a sacar un LP con todos los descartes y el material grabado“, aclara Jose. “Lo principal es mejorar el sonido y grabar cada vez más. Tocar mucho en directo. No hay secreto… Cuanto más tocas, mejor suenas”. Y nosotros no queremos dejar de escucharles.

 

Brave Journey into the English Sea – June’s Kaleydoscope

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Lanzado: Febrero 2018                    Duración: 21′ 58”

Discográfica: Autoeditado              Género: Rock Alternativo

 

El último trabajo de la valenciana Arantxa Iranzo, o más bien conocida como June’s Kaleydoscope, se ambienta en diferentes imágenes del paisaje británico. Cinco son los temas que conforman un EP que se construye a partir de escenas nostálgicas, melodías evocadoras y un sonido casi irreal. Todo ello bajo la necesaria impronta de un ambiente de rock alternativo y folk, siempre presente en su música.  

Así, la melancolía de la atmósfera que crea, a través del piano y acompañada de una suave voz, permite que canciones como “Secret Farewells” o “Mermaid Crop” se conviertan en piezas totalmente bucólicas y con un sello personal que cautiva sin esfuerzo al que lo escucha. Además, la compositora incluye fragmentos orquestales con un gusto exquisito que bien se podrían extraer de cualquier banda sonora de película, como la famosa Call Me By Your Name.

Es de agradecer una propuesta que, entre el gran nivel de homogeneidad entre las agrupaciones de rock alternativo, se atreva a apostar por demás instrumentos aparte de los típicos: guitarra, piano, bajo y batería. Este álbum es la demostración de que los instrumentos de cuerda dan ese toque tan característico y diferenciador de la banda. Tanto el chelo como el violín otorgan un carácter a la voz distinto y muy placentero al oído.

Brave Journey into the English Sea es, en definitiva, un viaje sin salir de casa. Como canción homónima y que da cierre a una pieza especial, se trata de una de la más íntimas y de autodescubrimiento. Una reflexión acerca de lo que ha vivido y sentido la artista. En sí, las influencias en este disco, son claras. Bandas como Father John Misty, Cigarettes After Sex o Bon Iver vienen inevitablemente a la mente al escuchar sus temas. Referentes, también, algo más alejadas de su primer EP, Soon You Will See que destilaba un sonido mucho más difuso de indie. Un camino musical, sin lugar a dudas, acertado para seguir la ruta de un viaje que esperemos que no tenga vuelta a casa jamás.

entradas-concierto-junes-kaleidoscope-en-bilbao-1515177166.-1x2560June's Kaleydoscope (1987) es una cantante, pianista y compositora valenciana que ya presenta una carrera prometedora. Finalista del Hard Rock Café Contest "The Rising of Bands" en Londres. Ha sido telonera de uno de sus mayores referentes, Jamie Cullum. Con un estilo muy personal y un género alternativo-folk muy original, sus temas han sonado incluso en la BBC londinense.    

 

Rock en femenino: Ruth Baker Band y Nadia Sheikh

El pasado viernes cuatro de mayo tuvo lugar con éxito en la sala La Burbuja de Castellón la segunda edición del tour The Girs in Action Tour Fest, un proyecto que tiene como objetivo la visibilización de la mujer sobre los escenarios. Ruth Baker Band y Nadia Sheikh son las dos propuestas musicales, muy diferentes entre sí, que han dado la nota en una gira que las ha visto darlo todo en las cuatro ciudades en las que ha participado: Londres, Valencia, Castellón y Tarragona. ¡Podéis leer las entrevistas a ambos grupos en antiguos posts de la sección Música En Femenino del blog!

La apertura de puertas del concierto comenzaba a las diez de la noche en la sala La Burbuja, un local mediano algo apartado del centro de la ciudad de Castellón, lo que supone ya de primeras un reto para las bandas emergentes para hacer llenazo. No era entonces de extrañar que una hora antes de dar inicio a las actuaciones la sala todavía se encontrara algo vacía. Alrededor de las once de la noche el ambiente fue animándose para dar la bienvenida al primer directo de la sesión. Nadia Sheikh, calentaba motores ante un público todavía algo tímido y alejado de las primeras filas. Sin embargo, la artista original de l’Alcora junto a su banda ofreció un show que rápidamente conectó con los asistentes. Con un sonido folk, indie y rock acompañado de una potente voz al estilo jazz, Nadia conquistó a la sala interpretando sus últimos temas que tal vez pronto, todavía no se conoce cuándo, tomarán forma de álbum.

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Así, el guiño al grunge de ‘Going Down’ o ‘Flip the Coin’ fueron éxitos que no podían faltar, aunque tampoco olvidó sus antiguas canciones como ’50 Feet’ o la ácida ‘Nº 24’ pertenecientes a su primer álbum. El momento más íntimo del concierto fue cuando la cantante interpretó a la guitarra acústica uno de sus más recientes trabajos, compuesto justo hace una semana y que tocaba por primera vez en vivo para la ocasión. Así como los temas inéditos que todavía no se encuentran en las plataformas como ‘Toxic’ o ‘Are you on?’

A las doce, y con algunos minutos de retraso, llegaba el turno del más puro soul de la mano de Ruth Baker Band. La agrupación formada entre componentes de Castellón y Benicàssim presentaba su nuevo disco, Revelationpor lo que salió a escena con más motivación que de costumbre, si cabe.

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Estrenando un segundo trabajo con un contenido musical bastante más heterogéneo, sobre el escenario demostraron la misma esencia de siempre: una energía arrolladora y un sonido más que potente. Tocaron gran parte de su nuevo LP: “Without You”, “Shake It” y, cómo no, la que da nombre al disco “Revelation” que decidieron dejarla para el final tras hacer un brevísimo bis que cerraba un espectáculo de diez. La cantante, Ruth Baker, también hizo un homenaje a las mujeres entre canción y canción para recordar la importancia del evento que iba, esencialmente, dedicado a estas y al necesario apoyo que se necesita para desarrollar los directos.

The Girls In Action Tour Fest es, en definitiva, una iniciativa local muy positiva para fomentar y sostener las bandas lideradas por mujeres. “Esperamos que poco a poco se les dé una mayor relevancia a las mujeres, pero lo cierto es que queda mucho trabajo que hacer al respecto. Parece que de unos años aquí en los festivales se empiezan a preocupar por que hay presencia femenina, pero no es suficiente”, aclara la propia agrupación Ruth Baker Band. Por ello resulta sustancial respaldar las bandas emergentes femeninas, desde los medios, las productoras y, sobre todo, el público que es al final el que demanda lo que quiere ver y disfrutar en sus conciertos favoritos. Este evento ha dejado muy claro qué es lo que quiere escuchar la gente.

Pròxima B – Júlia

 

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Lanzado: Octubre 2017                    Duración: 32’07”  

Discográfica: Malatesta Records   Género: Dream pop

Los sintetizadores, cajas de ritmo y sonidos electrónicos son los protagonistas de un viaje cósmico en el que ha ido ganando peso el estilo innovado de dream pop más característico de Júlia con su último LP, Pròxima B. Todo ello acompañado de unas voces versátiles y acertadas que componen la línea sonora de una propuesta original y de calidad.

Después de algo más de medio año de trabajo, el dúo femenino Júlia continúa apostando por su género pop más experimental. En esta ocasión, las artistas nos atrapan en una constelación de melodías electrónicas sin abandonar el suave indie que les ha acompañado desde sus orígenes, hace casi cuatro años, con su primer álbum Nuvolàstic.

En su trayectoria de exploración hacia nuevos horizontes presentan delicados paisajes sonoros en algunos de sus temas como en “Menta” o “Matèria” en los que la influencia de Tulsa, otra de los incuestionables iconos de folk rock español de nuestros tiempos, está muy presente y es que su disco La Calma Chicha fue una referencia para ellas. Es por ello, además, que no es de extrañar que sigan la línea de la cantautora Miren Iza al trabajar precisamente con su productor Javi Carasueño. Este es el integrante clave que ha sabido reubicar el estilo de Júlia hacia un terreno mucho más sensorial, en el que el “polvo flotante” de materia del espacio exterior que buscaban conseguir casi pueda palparse con la mano.

Así, Júlia vertebra a través de este álbum ocho temas con un nexo en común: la astronomía, que se ha convertido en su principal fuente de inspiración. La canción que da título al disco lo demuestra. “Pròxima B” es el nombre de un nuevo exoplaneta, pero también una magnífica excusa para explorar los secretos de uno mismo y descubrir quiénes somos realmente.

axc.jpgJúlia es un dúo formado por dos chicas de Alcoi, Estela Tormo y Lídia Vila. Su proyecto nació en 2015 con Nuvolàstic. Tres años después el viaje continúa hasta aterrizar en Pròxima B. Ya han comenzado a girar con su último álbum, que ha llegado a ser número 1 de los discos de la Comunitat Valenciana del 2017 por la revista especializada Mondo Sonoro.

Panorama – Chlöe’s Clue

 

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Lanzado: Noviembre 2017     Duración: 38′ 21”

Discográfica: Río Bravo         Género: Indie Folk

Panorama, el segundo LP de la joven valenciana Chlöe’s Clue, invita a introducirnos en un baile de melodías nostálgicas y sugerentes ritmos. Repleto de matices y una voz única, temas como “Visions and Versions” o “Velvet Sofa” rompen un poco con el género normalmente estático de indie-rock al que estamos acostumbrados a escuchar.

Es imposible escuchar sus canciones sin identificar la influencia de una de las máximas referencias de indie folk en España, Russian Red. Como en su disco de gran éxito, Agent CooperChlöe’s Clue imita una voz versátil e inocente que juega bajo la base de armonías suaves y cautivadoras. Sin embargo, su trabajo deja la singular impronta de, además de su estilo vocal tan característico, una atmósfera vintage y algo lejana en el tiempo. Como en un sueño. Lo consigue a través de ritmos difusos, el uso en algunos temas del ukelele y por los efectos de guitarra que inevitablemente hacen transportarte a los años 70. 

Las letras también participan en este ambiente retro. Con ellas, la artista nos ofrece un combinado casi adictivo de sentimientos encontrados a través de unos temas que versan desde lo más cándido hasta una postura de autodescubrimiento constante. Sorprende, además, su estilo heterogéneo entre canción y canción, algo difícil de encontrar en un contexto musical en el que, por lo general, la experimentación no está a la orden del día. Tanto podemos encontrar boogie, como en “Rumours from a Room”, como en varios momentos nos vemos inmersos en ritmos de lounge en “Café-Bar 2000” o “Pain Boutique”. Un trabajo equilibrado que atraviesa momentos más guitarreros en algunos puntos, a veces en los más álgidos, y que a su vez no deja de experimentar también con melodías más bien jazzísticas. El resultado es una pequeña atmósfera de sonido muy personal.

chloe.jpgChlöe's Clue (1996). Raquel Adalid es la joven que está detrás de las gafas de pasta y la guitarra retro de sus inconfundibles temas. Su proyecto nació en el año 2013 tras obtener el segundo puesto del concurso musical de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). Su debut se remonta al año 2014 con el álbum Hidden Rhytms que la llevaría hasta festivales como Les Arts, Tomavistas y Palo Alto.

Ruth Baker Band, para la música y el show

“Nunca nos hemos planteado hacer un estilo u otro, sino más bien canciones que funcionen en directo y que nos guste tocar”

La banda de Castellón Ruth Baker Band vuelve con toda la energía que le es propia para presentar su segundo LP, Revelation. El rock más clásico viene acompañado en esta ocasión de guitarras potentes y variedad de estilos que convergen en un pulido trabajo.

RUTH BAKER 017Foto: Ruth Baker Band/ Fuente: Ruth Baker Band

Ruth Baker Band es la suma de cinco componentes con experiencia y las ideas muy claras. Justo en un momento en el que el género rock se ha convertido en un estilo más especializado, podemos considerar su último álbum como una revelación. Para su segundo largo, la banda ha apostado por un nuevo sonido cargado de influencias. “El sonido que buscamos es el que más se aproxima a nuestro directo, nos gustan las guitarras potentes de rock y la base contundente, y si a esto le sumas la voz de Ruth pues sale esta mezcla. Por otra parte, hemos querido potenciar el lado más vibrante y oscuro de Ruth Baker Band, contrastado con el ye-yé más original de los 60.

El resultado también se plasma en el mensaje de su primer single que, además, da nombre al álbum. Se trata de un canto al esfuerzo y el trabajo para conseguir todo lo que uno se propone en la vida. “Todos los del grupo ya llevamos mucho tiempo en esto y tenemos claro que estamos aquí porque nos gusta lo que hacemos, que es lo principal. Siempre intentamos trabajar en base a nuestros principios morales y musicales por lo que podemos asegurar que nuestro plato fuerte es la constancia y, sobre todo, la ilusión por conseguir nuestras metas”. Este ha sido el empeño que también se ha visto reflejado en todo el proceso de grabación del disco. “Ha sido un trabajo largo que empezó en abril del año pasado, nos metimos en el estudio y a la vez nos pilló en medio un montón de bolos. El verano pasó y todavía no teníamos el disco mezclado ni las colaboraciones de vientos y teclados grabados. Aun así trabajamos mucho y después de tener todo nos dimos cuenta de que teníamos temas nuevos, por lo que también decidimos grabarlos”.

La estética vintage vuelve a estar muy presente, no solo por lo que se ve a simple vista sino por todo lo que ello conlleva. “Nos gustan mucho los 50, 60, 70… Aunque también los años 20. Para nosotros esa década fue como los “primeros años 60” tanto en liberación como en igualdad en la mujer y por eso queríamos darle un pequeño homenaje con la portada.” Y es que una banda liderada por una mujer es algo poco usual, por desgracia, todavía. “Vemos que actualmente se le está dando una mayor relevancia a la presencia femenina en la escena musical valenciana aunque aún queda mucho trabajo por hacer al respecto”. Para ello participan en iniciativas como el festival The Girls in Action Tour Fest, evento protagonizado por mujeres del rock para apoyar la causa. Con una agenda ya repleta de citas con los escenarios, el grupo sabe lo que quiere transmitir con su nuevo álbum: “queremos recordar que estamos aquí con mucha fuerza y para quedarnos. Seguir llevando nuestra música allí donde la gente quiera vernos”. Ni más, ni menos.

“Todo lo que quiero hacer es seguir escribiendo, grabando y tocando en directo”

En un proceso de búsqueda de su propio sonido, la joven artista de Alcora (Castellón), Nadia Sheikh, ha ido combinando este tiempo sus actuaciones en directo entre España y Reino Unido con el lanzamiento de sus nuevos singles. ¿Su estilo? un variado cóctel de sonido folk, indie y rock acompañado de una potente voz al estilo jazz. En la entrevista de hoy nos cuenta cuáles son sus inquietudes, planes de futuro y, por supuesto, su nueva música.

6TafXkyx_400x400Nadia Sheikh (1996) Cantante, guitarrista y compositora de L'Alcora (Castellón). Lanzó su primer álbum con 18 años 50 Feet. Desde entonces no ha dejado de abrirse camino actuando en festivales y en salas tanto en España como en Londres. Ahora ha sido recientemente confirmada por festivales como el FIB 2018, de gran prestigio internacional. Su género se ubica entre el folk, rock y el indie.

La iniciativa de sacar tu material canción a canción en lugar de un disco completo es una propuesta muy interesante e innovadora, ¿cómo surgió esta idea?

Hoy en día, la industria musical se mueve muy deprisa, aunque un poco como todo, supongo… Lanzar un LP es un proceso largo y costoso y al ser una artista completamente independiente en mi cabeza tenía más sentido lanzar canciones sueltas al mismo tiempo que encontraba mi sonido. A pesar de que la idea final siempre ha sido sacar LPs, primero tenía que encontrar qué quería mostrar y transmitir con mi música, pero creo que ya lo he encaminado. Lo próximo por venir está más centrado en esa idea.

¿Qué crees que ha cambiado de Nadia Sheikh en los tres últimos singles respecto al EP de ’50 Feet’?

Mi forma de escribir ha madurado en los últimos años y mi sonido también. Al estar acostumbrada a salir con la banda en directo, mi sonido se ha hecho un poco más cañero, lo que puede que asombre a la gente que está acostumbrada a 50 feet. Desde que empecé a tocar siempre quise hacer música indie rock con un toque popero, ya que mis canciones son más bien canciones pop arregladas hacia el indie rock. Por otra parte, los tres últimos singles son bastante diferentes entre sí, esto se debe a que mi intención era exteriorizar el sonido y la idea que tenía en mi mente.

Independientemente de estos singles, no has dejado de componer y trabajar en nuevos temas, ¿hay idea de próximo disco a la vista?

Sí, tengo muchos temas nuevos, algunos son los que llevamos tocando desde hace un tiempo en directo y que han pasado por estudio y otros completamente nuevos que nadie ha escuchado todavía. Hay idea de nueva música por salir, pero aún no tengo fecha exacta. Todavía estoy barajando diferentes opciones.

¿Qué ha supuesto para ti trabajar con gente del calibre de Danny Schogger (productor de Sam Brown, Paul Young…) y Linda Taylor (Chris Rea, The Art of Noise…) en tu último single “Flip the Coin”? 

He aprendido mucho de Danny y Linda, ha sido un placer trabajar con ellos. Me han enseñado un punto de enfoque diferente hacia la manera en que escribo canciones. Con ellos también trabajé en No. 24que fue el single anterior. Además, es genial poder trabajar con gente que lleva en la industria musical durante tantos años, siempre te explican cosas que no sabías o te cuentan anécdotas…

Nadia Sheikh bebe de multitud de influencias como Oasis, The Beatles, Radiohead, Arctic Monkeys… ¿Cómo definirías tu sonido?

Mi sonido es un poco una mezcla de todo lo que he escuchado desde que era pequeña y de lo que escucho ahora. Diría que mi sonido es indie rock pero con canciones bastante pop, y de vez en cuando un guiño al grunge. Mi forma de cantar tampoco es extremadamente rockera, es más bien folk o incluso un poco jazz. ¡Una mezcla de un poco de todo!

¿Cómo crees que ha evolucionado tu manera de concebir la música desde que resides en Londres? ¿Hay diferencias respecto a la cultura musical en España?

La verdad es que está siendo una experiencia interesante. Mientras estaba en España (supongo que también iría con mi edad) no sabía tan bien cómo funcionaba la industria musical, pero estando aquí he aprendido muchas cosas y, sobre todo, me he dado cuenta de que gran parte de la importancia recae sobre la parte empresarial, más que la artística. También me ha hecho darme cuenta de que hoy en día como artista independiente tienes que saber hacer un poco de todo. La cultura musical es bastante diferente en relación con España, sobre todo estilísticamente, pero los principios son los mismos. Por el lado de apoyo a los artistas, creo que aquí hay más oportunidades y mucha música en directo, aunque también están cayendo los locales de conciertos como moscas, por desgracia… Es cierto que en España se tiene mucho aprecio a los artistas y se intenta que se sientan acogidos como en casa. Por aquí he tocado en sitios donde ni siquiera te dan una botella de agua.

Acabas de terminar la carrera Music Performance and Recording en el London College of Music, ¿cómo ha contribuido este tiempo en Londres para formarte como músico?

Ha sido una experiencia genial, he aprendido mucho, sobre todo en la parte técnica y de grabación. Uno de los mayores beneficios de la carrera han sido las instalaciones de las que disponíamos en la universidad. Entrar en un buen estudio te puede costar un riñón, estando en LCM tuve la suerte de poder aprovecharlas al máximo y aprender de primera mano cómo moverme en el estudio. Ha estado bien porque había grabado en estudios anteriormente, pero no estando en los dos lados de la pecera. También he conocido a muchos músicos y amigos con los que he compartido música y experiencias, y los profesores son gente que lleva trabajando en la música toda su vida.

¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?

Como te comentaba antes, acabar de grabar esos temas que están por venir y, si todo va bien, lanzar pronto material nuevo. De momento creo que seguiré con el modelo de singles, pero tengo intención de seguir componiendo para que pronto esos singles puedan formar un nuevo EP o incluso un LP. También he estado colaborando con otros artistas y escribiendo canciones para ellos. Si sale bien la cosa, tal vez lance alguna de ellas también. Pero sobre todo lo que quiero hacer es seguir escribiendo, grabando y tocando en directo, ¡a ver si hay suerte y cuaja la cosa!

Escenarios vacíos de mujeres

Uno de los libros sobre historia de la música del siglo XIX del musicólogo Ulrich Rühle que leí recientemente empezaba su prólogo excusándose de la inexistente presencia de mujeres compositoras así: “La situación de la mujer en la sociedad era diferente a la actual. En el barroco, la mujer ni siquiera podía cantar en público. […] Las posibilidades de las mujeres para estudiar y desplegar su talento no eran muy grandes. Los críticos decían con cierta razón que las mujeres eran incapaces de componer obras mayores y los editores tampoco estaban dispuestos a invertir en ellas”. Era su modo de disculparse, quizá, por presentar un ensayo plagado de indiscutibles iconos históricos europeos con un pequeño (gran) detalle en común: ser hombre.

El pasado 29 de marzo se celebró en Benicàssim la quinta edición de uno de los mayores eventos de música indie nacional en nuestro país con el que, además, se da el escopetazo de salida a la temporada de festivales, el Sansan Festival. Para un festival de tales dimensiones ha sorprendido el género del cartel, visiblemente masculino. 124 han sido los artistas que han atestado los escenarios durante tres intensas jornadas de música sin pausa. ¿El número de mujeres? Solo 3. Dos, EME DJ y Rocío Saiz pertenecientes a las sesiones DJ’s y una baterista. La banda de rock alternativo Rufus T. Firefly se consagró como la única en llevar una mujer músico entre sus miembros, la batería Julia Martín Maestro. La única que pisaría un escenario del festival. Curiosamente, esta también resultó ser una de las propuestas más interesantes y originales del cartel según diferentes medios especializados de la crítica de música indie. ¿Coincidencia?

Diferentes asociaciones relacionadas con la industria musical y la mujer ya alertaban de la situación antes, incluso, de que el evento diera comienzo. La plataforma Mujeres y Música comenzó, a mediados de marzo, una campaña para visibilizar la situación a través de sus redes sociales y los hashtags #SinMujeresNoVoy y #SinSinFestival. Pero lo peor estaría todavía por llegar. En un festival en el que el porcentaje de mujeres del cartel representaba la ridícula cifra de 2,41 %, su acción comprometida con la mujer fue la de dejar toallas rosas en los camerinos de las bandas como símbolo de apoyo al feminismo. La polémica estaba servida, y fue precisamente el grupo de Rufus T. Firefly el primero en reivindicar a través de su Instagram “más mujeres sobre los escenarios y menos toallas rosas”.

¿Solo en el Sansan Festival?

La casi inexistente presencia de la figura femenina en la escena musical indie o alternativa no es ninguna novedad todavía a día de hoy. A pesar de tratarse del modelo de espectáculo que más consumen los jóvenes y por el que más se está apostando en los últimos años, la misma historia se repite una y otra vez. Los datos lo demuestran. Según las informaciones de la asociación Mujeres y Música, su último análisis revela que de 18 de los festivales alternativos más multitudinarios de 2017, únicamente un 10,5 % de artistas eran mujeres.

dims    Gráfico situación de la mujer en los festivales españoles de 2017/ Fuente: Mujeres y Música.

Algunos de los grandes argumentos para explicar esta situación de desventaja es el de que las mujeres no tocan. Sorprende a veces que este razonamiento salga de la boca, incluso, de las propias mujeres artistas. La teclista de Dorian, banda que participa en los festivales alternativos más importantes del país año tras año, así lo corroboraba: “Creo que es un problema de educación, una cuestión cultural. No hay chicas en la música. ¿Y por qué? Quizás porque la sociedad te empuja hacia otros sectores”.

En el caso de las agrupaciones originales de la Comunitat Valenciana la situación tampoco difiere demasiado, sin embargo las propuestas están ahí y cada vez van cobrando más fuerza. Júlia es un dúo de chicas de Alcoi que su último trabajo de dreampop se ha posicionado como mejor disco de la Comunitat de 2017, según la revista musical especializada Mondo Sonoro. El dúo también denuncia el panorama de la escena musical valenciana participando en el colectivo ‘Hits with Tits’, una iniciativa que se vuelca en la visibilidad de la mujer en el panorama musical. “Hay una gran cantidad de artistas femeninas realizando buenos proyectos pero no se les concede la oportunidad de participar en los escenarios tanto como a los hombres. Las mujeres estamos aquí, con nuestro talento, para lanzar propuestas que valen la pena y que tienen un gran coste detrás”.

La escena musical está cambiando, las propuestas de mujeres artistas están ahí y los proyectos se encuentran en total efervescencia. Ahora el turno es de la industria por cambiar el rumbo de las cosas y de la historia que leemos en los libros, para que con suerte en un futuro, ningún musicólogo tenga que comenzar un ensayo disculpándose.