30 años de fotografía musical. Tras el objetivo: Liberto Peiró

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Liberto Peiró (1968) lleva cerca de 30 años como fotógrafo de prensa musical y de conciertos. Sus inicios se remontan a la fotografía en salas de referencia del panorama musical valenciano de los noventa tales como Gasolinera o Babia. A través de su cámara han desfilado alrededor de 5000 bandas nacionales e internacionales. A día de hoy, es el director de la edición Comunidad Valenciana de la revista especializada de música Mondo Sonoro, una publicación mensual que da soporte a la escena musical emergente y que, actualmente, se encuentra en plena ebullición en la Comunitat. Además, su extensa trayectoria lo ha llevado a ser también fotógrafo oficial de diferentes festivales (FIB, BBK Live, Low y Sos 4.8 entre otros).

– ¿Cuáles son tus inicios en el mundo de la fotografía musical?

A mí me gustaban los conciertos y la fotografía desde muy joven. Al principio entraba con la cámara a escondidas en pequeños locales de Valencia y me estrené fotografiando a grupos bastante underground de la escena local y nacional. El primer concierto que fotografié fueron Los Buenos de Albacete en 1989. Más tarde empezaron a llamarme salas de conciertos y grupos locales. No olvidemos que estamos hablando de finales de los noventa, una época en la que toda la fotografía era en negativo y, evidentemente, en blanco y negro… Más tarde empecé a trabajar junto a un fanzine que se llamaba Wah Wah, y después con la revista musical On the Rocks. Y bueno, hasta el día hoy no he parado, 30 años que se dice pronto. No me quejo. También te digo que hubo temporadas en las que lo tenía que compaginar la fotografía con cualquier otro trabajo, pero sin dejarla de lado jamás.

– ¿Consideras que está valorado el trabajo de fotógrafo musical?

A ver, yo creo que la gente no lo valora como lo hacía antes. Ahora todo el mundo tiene un colega o un primo que tiene una cámara y sube como 40-50 fotos a sus redes sociales de cualquier concierto, ese mismo material es el que pillan las bandas, gratis, para su Facebook. Parece que no, pero Internet ha fastidiado mucho la fotografía. A fin de cuentas es un trabajo como cualquier otro y la gente todavía no entiende que el material no se puede pasar así como así. Fastidia cuando algunos grupos vienen y te dicen “pásame las fotos”, así, sin más. Yo siempre digo lo mismo, esto es mi trabajo. Es una pena, porque por culpa de esto ya no se hacen tantas sesiones de promo para bandas como se hacía antes, ya no me llaman ni a mí ni a nadie. Los grupos grandes todavía solicitan fotógrafos profesionales, pero los pequeños siempre hay una novia que hace fotos o tienen un móvil muy chulo que luego lo veo y bueno… A veces a la revista me llegan fotos que sí, esto muy chulo lo verás en la pantalla del móvil, pero esto no lo puedo publicar.noticia pie defoto

– ¿Cómo fue y qué supuso el cambio de la cámara analógica a la digital?

Cuando iba al principio a los festivales era un escándalo. Yo iba con 30-40 carretes cargados y compraba lo menos 30 metros de película. Tenía que revelar los negativos, luego los seleccionaba y ya más tarde escogía las fotos para mandarlas a los medios o a quien me las pidiera. El cambio fue radical y yo tardé mucho en meterme en el mundo digital de la fotografía porque era muy caro y, además, mis cámaras analógicas eran muy buenas. Entonces no era tan inmediata la cosa porque yo trabajaba para revistas mensuales y casi siempre tenía tiempo de sobra de revelar, seleccionar… Actualmente va todo demasiado rápido, pero es lo que tiene el mundo moderno. Ahora, todavía no ha acabado el concierto o el festival y las fotos ya están subidas en todas las redes sociales. Los negativos los tengo archivados por álbumes, tengo como 40 álbumes, y luego el paso a digital tendré algo así como 5.000 grupos diferentes fotografiados, de los cuales 1.000 han desaparecido, es algo verdaderamente exagerado. De hecho, tres meses de un verano me pasé informatizando el archivo de negativos para localizar las fotos porque ya me estaba volviendo loco.

– Has vivido la época de los 90 con la máxima proliferación de salas de conciertos (Estadio del Levante, Arena, La Fonteta…) ¿Cómo ves la decadencia de Valencia ahora que se ha quedado fuera del circuito de conciertos?

No hay promotores que se arriesguen a traer músicos porque luego no hay suficiente público… En aquella época existían salas como Arena, Pachá, Garage, donde cabían 3.000 personas por allí pasaba todo lo mejor, los Ramones, Blur… A día de hoy no hay ni una sala para ese aforo. Solo está el pabellón de la fuente de San Luis. La sala más grande en Valencia es República que tendrá como alrededor de 1.000 personas de capacidad, por lo que los promotores no se arriesgan. Además, es mucho más caro traer grupos de este estilo por lo que es complicado, lo que hay es un gran auge de todos bandas de todo tipo nacionales internacionales mas pequeñitas y en cuanto a salas de medio aforo Valencia está muy bien.

– ¿Dónde prefieres fotografiar, en festival o en sala?

Siempre en salas, aunque si son festivales pequeñitos o de medio aforo me lo paso bomba. Macrofestivales ya estoy muy cansado y me agobian. Los grupos son siempre los mismos, Izal, Sidonie, Lori Meyers… Que sí, las primeras veces que los fotografías bien, pero después de veinte veces en escenarios enormes en los que hacen siempre lo mismo… Además, en las salas la gente va de verdad a ver el concierto que quiere, entonces da mucho más juego tanto el público como los grupos. Aparte, en sala los bolos son más largos y la peña se involucra mucho más.

– ¿Cuál es la foto que te falta? ¿Tienes alguna fotografía favorita?

Últimamente tengo que tachar. Me hubiera gustado haber hecho foto a los Ramones y a los Beatles. De hecho, si yo empecé en esto de la música es por mi hermana que era súper fan.  A Metallica tampoco les he visto nunca… Al que me hubiera molado hace años, es a Nirvana, seguro, y eso que cuando salieron no le pillé demasiado el rollo al grunge.

En cuanto a mi foto preferida… Hay muchas favoritas, desde algunos años me aficioné a hacer saltos. Da mucho juego, de hecho hice una exposición hace muchos en el metro en Madrid en un festival  en el que actuaba gente el metro y yo colgué fotos solo de saltos. Es algo muy visual y hay gente que pega unos saltos espectaculares.

– Después de toda tu larga trayectoria, ¿qué es lo que te empuja a seguir igual como el primer día?

Me gusta la música y me lo paso bien, conozco mucha gente: promotores, sellos discográficos, grupos… Mis amigos cuando llegan a Valencia flipan. Vamos a ir un concierto y yo no tengo ni que acreditarme. Yo en Valencia hace años que yo no me acredito porque me conocen y saben que voy a trabajar. Me respetan y hay muy buen rollo entre todos. Aparte ahora tengo dos hijos y se ha vuelto muy complicado, porque todos los fines de semana y entre semana hay conciertos, por lo que al final es pasión si no no estaría aquí. Ahora estoy viviendo de ello, es lo que sé hacer. Llevo toda la vida peleando y reivindicando esta profesión. Ahora que vivo de ello no voy a dejarlo.

Heatwaves, el retorno a los 60

“Estamos en búsqueda de nuestro sonido definitivo”

La banda de power pop castellonense Heatwaves lanza su segundo EP, Heatwaves #2, una combinación adictiva entre estilo propio y sonido 60’s que, acompañado de los juegos vocales de Ana Beltrán, es la que logra atrapar al que lo escucha en una atmósfera retro única.

20645464_1924754134471667_4001718957501787144_o.pngFoto: Wally Sanz.

Nuevo trabajo y objetivos definidos. Si algo quiere transmitir Heatwaves con su nuevo EP es la ambición de avanzar hacia un estilo propio. “Queremos desarrollar un sonido característico del grupo, que con el primero lo conseguimos creo que a medias ya que nuestra música estaba más enfocada al sonido de grupos de chicas de los 60. Con este último EP damos un pasito más en cuanto a los arreglos, producción y al estilo de las canciones“.

En la línea de su primer disco, la banda apuesta por expandir sus límites y buscar su camino. Todo ello a través de unas letras que siguen la senda autobiográfica de su autora y cantante, Ana Beltrán: “Inevitablemente el amor es un cliché universal y cuando escribes música así siempre hay cierta nostalgia”. De este último sentimiento es el que queda impregnado “In My Teens”, su single principal que pronto tendrá videoclip propio. “Ese tema tiene una nostalgia especial porque yo hace tiempo que ya salí de la adolescencia y la echo mucho de menos. Habla de una chica que va por ahí rompiendo la pana y luego se da cuenta de que la vida no es solo eso. Al final madura y encuentra una relación que le echa en cara ciertas cosas que hizo en el pasado y ella le replica un poco que ya no es así. ¡Aunque me encantaría volver a my teens!“, asegura Ana entre risas.

De cuatro canciones que presenta el EP destaca “Question de Temps”, el único tema en francés. No es casualidad, el bajista Jose Dolz es coleccionista de Françoise Hardy: “La idea surgió porque me encanta toda la música francesa de los años sesenta. Así que decidimos orientar la producción de este tema hacia los discos de Françoise Hardy: muy poca guitarra, sonido muy limpio y mucho reverb en la voz. Es una canción que si estuviese en un LP de 12 canciones sonaría totalmente diferente“.

Inspirados, precisamente, por la música francesa de los sesenta sorprende que sigan incluso el formato con el que artistas como Johnny Hallyday sacaban sus trabajos en esa época: solo EP’s. “No somos un grupo que vayamos a tener un desarrollo para vender CD’s, así que decidimos hacerlo como una cosa que nos apetecía hacer a nosotros”, explica Jose, “aparte lo bueno es que entras más veces en el estudio, que grabar es muy chulo. Meterte en el estudio para grabar 15 temas es un esfuerzo brutal, en cambio grabar cinco o seis temas es más bien un capricho porque es carísimo, pero así también nos aseguramos de que no hay ninguna canción de relleno“.

En directo interpretan algo menos de veinte temas, ocho pertenecientes a sus EP’s y varios temas inéditos. Material no les falta y, por ahora, siguen componiendo y preparando lo que será su Heatwaves #3. “Nuestro objetivo es seguir creciendo y seguir sacando EP’s, aunque no cerramos la puerta a sacar un LP con todos los descartes y el material grabado“, aclara Jose. “Lo principal es mejorar el sonido y grabar cada vez más. Tocar mucho en directo. No hay secreto… Cuanto más tocas, mejor suenas”. Y nosotros no queremos dejar de escucharles.

 

Ruth Baker Band, para la música y el show

“Nunca nos hemos planteado hacer un estilo u otro, sino más bien canciones que funcionen en directo y que nos guste tocar”

La banda de Castellón Ruth Baker Band vuelve con toda la energía que le es propia para presentar su segundo LP, Revelation. El rock más clásico viene acompañado en esta ocasión de guitarras potentes y variedad de estilos que convergen en un pulido trabajo.

RUTH BAKER 017Foto: Ruth Baker Band/ Fuente: Ruth Baker Band

Ruth Baker Band es la suma de cinco componentes con experiencia y las ideas muy claras. Justo en un momento en el que el género rock se ha convertido en un estilo más especializado, podemos considerar su último álbum como una revelación. Para su segundo largo, la banda ha apostado por un nuevo sonido cargado de influencias. “El sonido que buscamos es el que más se aproxima a nuestro directo, nos gustan las guitarras potentes de rock y la base contundente, y si a esto le sumas la voz de Ruth pues sale esta mezcla. Por otra parte, hemos querido potenciar el lado más vibrante y oscuro de Ruth Baker Band, contrastado con el ye-yé más original de los 60.

El resultado también se plasma en el mensaje de su primer single que, además, da nombre al álbum. Se trata de un canto al esfuerzo y el trabajo para conseguir todo lo que uno se propone en la vida. “Todos los del grupo ya llevamos mucho tiempo en esto y tenemos claro que estamos aquí porque nos gusta lo que hacemos, que es lo principal. Siempre intentamos trabajar en base a nuestros principios morales y musicales por lo que podemos asegurar que nuestro plato fuerte es la constancia y, sobre todo, la ilusión por conseguir nuestras metas”. Este ha sido el empeño que también se ha visto reflejado en todo el proceso de grabación del disco. “Ha sido un trabajo largo que empezó en abril del año pasado, nos metimos en el estudio y a la vez nos pilló en medio un montón de bolos. El verano pasó y todavía no teníamos el disco mezclado ni las colaboraciones de vientos y teclados grabados. Aun así trabajamos mucho y después de tener todo nos dimos cuenta de que teníamos temas nuevos, por lo que también decidimos grabarlos”.

La estética vintage vuelve a estar muy presente, no solo por lo que se ve a simple vista sino por todo lo que ello conlleva. “Nos gustan mucho los 50, 60, 70… Aunque también los años 20. Para nosotros esa década fue como los “primeros años 60” tanto en liberación como en igualdad en la mujer y por eso queríamos darle un pequeño homenaje con la portada.” Y es que una banda liderada por una mujer es algo poco usual, por desgracia, todavía. “Vemos que actualmente se le está dando una mayor relevancia a la presencia femenina en la escena musical valenciana aunque aún queda mucho trabajo por hacer al respecto”. Para ello participan en iniciativas como el festival The Girls in Action Tour Fest, evento protagonizado por mujeres del rock para apoyar la causa. Con una agenda ya repleta de citas con los escenarios, el grupo sabe lo que quiere transmitir con su nuevo álbum: “queremos recordar que estamos aquí con mucha fuerza y para quedarnos. Seguir llevando nuestra música allí donde la gente quiera vernos”. Ni más, ni menos.

“No nos gusta basarnos en nada previo ni ser homogéneos”

La banda valenciana Tú Ves Ovnis da vida a su sideral primer LP Flores y Cemento, basado en una visión íntima y transversal de la realidad. Después de más de un año de trabajo y desarrollo de un género artístico “en constante evolución”, el resultado es un cosmos de sentido crítico, naturaleza y amor desde un punto de vista introspectivo. Hablamos con Enrique Peydró, el líder de la banda.

16684230_1810839409168023_1613898307351884165_nTú Ves Ovnis es una banda de rock psicodélico que nace en Valencia en 2014 con el EP Trilogía de Amor en Mercurio. Cuatro años después aterrizan con su segundo trabajo, autoeditado, Flores y Cemento pero sin perder ni un ápice de su esencia.

Flores y Cemento es una mezcla de amor, naturaleza, crítica social… ¿Qué es lo que queréis contar?

La intención es narrar una visión íntima y transversal de la realidad y un poco el ecosistema en el que nos sumergimos cada día, donde en ocasiones las canciones, duras y grises, duelen; en otros momentos, frágiles y rosadas, sanan. Para nosotros este trabajo posee dos afluentes principales de un contexto común: el amor y la naturaleza, siendo ambos los tallos que emergen del hormigón en el que vivimos. Por otro lado, también es cierto que es la primera vez que enseñamos un lado tan crítico hacia nuestra sociedad. A las temáticas que comentas añadiríamos la introspección, siempre necesaria.

Este primer LP es el resultado de más de un año de trabajo. ¿Habéis tenido dificultades?

Así es. El proceso ha sido largo, complejo y se ha realizado en varias etapas, la composición de Flores y Cemento se nutre de las canciones que formaron nuestro primer EP Trilogía de Amor en Mercurio junto con algunos temas que nacieron a partir de la disolución de la banda Aloha Dai en 2014 y otros más recientes. Varias de estas canciones surgen a partir de un viaje espiritual a Marruecos en 2014 y otras tantas se componen entre 2015 y 2016. Durante los últimos dos años les empezamos a dar forma, preparándolas para el estudio de grabación. Finalmente, seleccionamos los 12 temas, después de un filtro de más de 20. Las seleccionadas fueron grabadas, según iban saliendo arregladas del local de ensayo.

¿Cómo fue el proceso de grabar en Valencia y masterizar fuera, en Madrid?

Muy enriquecedor. Ya teníamos la experiencia de grabar en Novoestudios con Facundo Novo, donde siempre hemos tenido muy buenos resultados. Además tenemos una compenetración y un entendimiento muy útiles en la grabación y coproducción. Luego está Dany Richter (El Lado Izquierdo) a la mezcla y masterización, con quien queríamos trabajar desde hace tiempo. Sus grabaciones y mezclas para otras bandas y artistas están a un nivel espectacular y las referencias que teníamos de él también eran muy positivas. Estamos muy satisfechos y contentos con el acabado final.

En qué medida han influido las distintas colaboraciones que han participado en vuestro trabajo. Miguel Noguera, Manuel Cabezalí, Ser Humano, Salfvman… ¿Fueron meditadas previamente?

Sí, estuvieron muy pensadas desde el principio. En cuanto decidimos realizar la intro Avistamiento con el poema OVNIS de Mario Benedetti pensamos en Miguel Noguera para recitarlo. El carácter irónico del poema encajaba a la perfección en la manera en que Miguel hace arte. Además, obviamente somos fieles seguidores de su obra. Sabíamos que a Miguel el poema y la forma en la que buscábamos su participación iban a gustarle, y así fue.

Con Manuel Cabezalí (Havalina) la historia es más profunda. Estuvimos barajando la opción de que produjera nuestro disco, también anteriormente con Aloha Dai. Pero finalmente no se pudo realizar. Y cuando estábamos pensando en cerrar con Abducción, nos vino inmediatamente él a la cabeza para recitar las frases de Gabriel García Márquez y completar de alguna manera esas ganas de trabajar con él.

También queríamos que hubiera una pequeña muestra de nuestros gustos a nivel local, y tanto El Ser Humano como Salfvman son dos artistas inconfundibles e interesantísimos que recomendamos a cualquiera que quiera escuchar música sincera. Estamos muy orgullosos de que todos hayan podido dejar su inconfundible huella en Flores y Cemento.

En vuestro álbum tiene un gran peso la crítica social y el nombre del grupo es casi toda una declaración de principios. ¿Cómo de importante es contradecirse en los tiempos que corren?

Contradecirse es fundamental y natural, tanto como la evolución del pensamiento de cada uno. Se trata de reflexionar y no estar cerrado a nuevas opciones. El nombre de la banda refleja ese sentimiento, el de que todos vemos cosas sobrenaturales, aunque algunos no quieran, o puedan, reconocerlo. Es también una acusación a aquellos que viven con medias tintas y sin mojarse, sin contradecirse. Hasta que un día crees en la ufología o en la democracia o en los Reyes Magos, cuando ayer era impensable. Así podemos extrapolarlo a cualquier otra temática. ¿Ayer era blanco y hoy es negro? Pues sí, he cambiado de opinión.

El poema de Mario Benedetti “Ovnis” es el que marca un poco el álbum y la idea central de la banda en sí. ¿Cómo se identifica con vosotros?

Pues no sabemos bien cuando llegó el poema a nuestras manos, pero es cierto que existe una identificación importante con todo nuestro universo. Sobre todo con el verso ¿Cómo fue que los terrestres empezamos a jodernos? Sinceramente, si yo fuera un extraterrestre también querría que me persuadieran de que este no es el lugar más óptimo en 2018.

¿Os consideráis una banda vanguardista?

Sí, somos una banda contemporánea que hace música actual basándose en los sentimientos diarios. Por lo que el carácter auténtico e innovador es una constante en la forma en que hacemos las cosas. No nos gusta basarnos en nada previo ni ser homogéneos, así que seguramente sí.

“Todo lo que quiero hacer es seguir escribiendo, grabando y tocando en directo”

En un proceso de búsqueda de su propio sonido, la joven artista de Alcora (Castellón), Nadia Sheikh, ha ido combinando este tiempo sus actuaciones en directo entre España y Reino Unido con el lanzamiento de sus nuevos singles. ¿Su estilo? un variado cóctel de sonido folk, indie y rock acompañado de una potente voz al estilo jazz. En la entrevista de hoy nos cuenta cuáles son sus inquietudes, planes de futuro y, por supuesto, su nueva música.

6TafXkyx_400x400Nadia Sheikh (1996) Cantante, guitarrista y compositora de L'Alcora (Castellón). Lanzó su primer álbum con 18 años 50 Feet. Desde entonces no ha dejado de abrirse camino actuando en festivales y en salas tanto en España como en Londres. Ahora ha sido recientemente confirmada por festivales como el FIB 2018, de gran prestigio internacional. Su género se ubica entre el folk, rock y el indie.

La iniciativa de sacar tu material canción a canción en lugar de un disco completo es una propuesta muy interesante e innovadora, ¿cómo surgió esta idea?

Hoy en día, la industria musical se mueve muy deprisa, aunque un poco como todo, supongo… Lanzar un LP es un proceso largo y costoso y al ser una artista completamente independiente en mi cabeza tenía más sentido lanzar canciones sueltas al mismo tiempo que encontraba mi sonido. A pesar de que la idea final siempre ha sido sacar LPs, primero tenía que encontrar qué quería mostrar y transmitir con mi música, pero creo que ya lo he encaminado. Lo próximo por venir está más centrado en esa idea.

¿Qué crees que ha cambiado de Nadia Sheikh en los tres últimos singles respecto al EP de ’50 Feet’?

Mi forma de escribir ha madurado en los últimos años y mi sonido también. Al estar acostumbrada a salir con la banda en directo, mi sonido se ha hecho un poco más cañero, lo que puede que asombre a la gente que está acostumbrada a 50 feet. Desde que empecé a tocar siempre quise hacer música indie rock con un toque popero, ya que mis canciones son más bien canciones pop arregladas hacia el indie rock. Por otra parte, los tres últimos singles son bastante diferentes entre sí, esto se debe a que mi intención era exteriorizar el sonido y la idea que tenía en mi mente.

Independientemente de estos singles, no has dejado de componer y trabajar en nuevos temas, ¿hay idea de próximo disco a la vista?

Sí, tengo muchos temas nuevos, algunos son los que llevamos tocando desde hace un tiempo en directo y que han pasado por estudio y otros completamente nuevos que nadie ha escuchado todavía. Hay idea de nueva música por salir, pero aún no tengo fecha exacta. Todavía estoy barajando diferentes opciones.

¿Qué ha supuesto para ti trabajar con gente del calibre de Danny Schogger (productor de Sam Brown, Paul Young…) y Linda Taylor (Chris Rea, The Art of Noise…) en tu último single “Flip the Coin”? 

He aprendido mucho de Danny y Linda, ha sido un placer trabajar con ellos. Me han enseñado un punto de enfoque diferente hacia la manera en que escribo canciones. Con ellos también trabajé en No. 24que fue el single anterior. Además, es genial poder trabajar con gente que lleva en la industria musical durante tantos años, siempre te explican cosas que no sabías o te cuentan anécdotas…

Nadia Sheikh bebe de multitud de influencias como Oasis, The Beatles, Radiohead, Arctic Monkeys… ¿Cómo definirías tu sonido?

Mi sonido es un poco una mezcla de todo lo que he escuchado desde que era pequeña y de lo que escucho ahora. Diría que mi sonido es indie rock pero con canciones bastante pop, y de vez en cuando un guiño al grunge. Mi forma de cantar tampoco es extremadamente rockera, es más bien folk o incluso un poco jazz. ¡Una mezcla de un poco de todo!

¿Cómo crees que ha evolucionado tu manera de concebir la música desde que resides en Londres? ¿Hay diferencias respecto a la cultura musical en España?

La verdad es que está siendo una experiencia interesante. Mientras estaba en España (supongo que también iría con mi edad) no sabía tan bien cómo funcionaba la industria musical, pero estando aquí he aprendido muchas cosas y, sobre todo, me he dado cuenta de que gran parte de la importancia recae sobre la parte empresarial, más que la artística. También me ha hecho darme cuenta de que hoy en día como artista independiente tienes que saber hacer un poco de todo. La cultura musical es bastante diferente en relación con España, sobre todo estilísticamente, pero los principios son los mismos. Por el lado de apoyo a los artistas, creo que aquí hay más oportunidades y mucha música en directo, aunque también están cayendo los locales de conciertos como moscas, por desgracia… Es cierto que en España se tiene mucho aprecio a los artistas y se intenta que se sientan acogidos como en casa. Por aquí he tocado en sitios donde ni siquiera te dan una botella de agua.

Acabas de terminar la carrera Music Performance and Recording en el London College of Music, ¿cómo ha contribuido este tiempo en Londres para formarte como músico?

Ha sido una experiencia genial, he aprendido mucho, sobre todo en la parte técnica y de grabación. Uno de los mayores beneficios de la carrera han sido las instalaciones de las que disponíamos en la universidad. Entrar en un buen estudio te puede costar un riñón, estando en LCM tuve la suerte de poder aprovecharlas al máximo y aprender de primera mano cómo moverme en el estudio. Ha estado bien porque había grabado en estudios anteriormente, pero no estando en los dos lados de la pecera. También he conocido a muchos músicos y amigos con los que he compartido música y experiencias, y los profesores son gente que lleva trabajando en la música toda su vida.

¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?

Como te comentaba antes, acabar de grabar esos temas que están por venir y, si todo va bien, lanzar pronto material nuevo. De momento creo que seguiré con el modelo de singles, pero tengo intención de seguir componiendo para que pronto esos singles puedan formar un nuevo EP o incluso un LP. También he estado colaborando con otros artistas y escribiendo canciones para ellos. Si sale bien la cosa, tal vez lance alguna de ellas también. Pero sobre todo lo que quiero hacer es seguir escribiendo, grabando y tocando en directo, ¡a ver si hay suerte y cuaja la cosa!