MounQup. Electrónica rural en Sesión Sonora

Recuerdo leer en una de las famosas entrevistas a la islandesa Björk que las mujeres “han de repetir cinco veces lo que quieren decir si quieren ser escuchadas en el mundo de la industria musical en comparación con el hombre”. Han pasado algunos años de esta declaración, pero el mundo que nos rodea no parece haber cambiado lo más mínimo en ese sentido.

MounQupo Camille Hédouin, bajo la etiqueta de Björk gallega, es una de las relativamente pocas artistas mujeres que se desarrollan en el ámbito de la música electrónica y experimental en España. Completamente autodidacta, defiende un estilo musical muy personal alejado de lo corriente. Máquinas obsoletas, antiguos sonidos de ordenador e instrumentos alejados de lo convencional como la kalimba (una pequeña estructura de madera que se toca con los pulgares) son la base que sustenta su música. El pasado 22 de junio en el Casino Antiguo de Castellón disfrutamos de su singular sonido en una actuación que forma parte del ciclo de conciertos de Sesión Sonora, una propuesta castellonense que nace de la ambición de dar visibilidad a las mujeres del mundo de la electrónica y la música experimental.

“En realidad, me adentré de lleno en la música contemporánea a raíz del nacimiento de mi hija. Muchas mujeres abandonan sus sueños o aquello que quieren realizar en la vida una vez que tienen hijos, no creo que deba ser así. Para mí ha sido toda una motivación”, explica Hèdouin. Y es que su hija se ha convertido en una inagotable fuente de inspiración para ella. El tema ‘Ses Larmes’, perteneciente a su último trabajo Castro Verdi es ejemplo de ello. “Al no entender de notas ni de acordes, los sentimientos y las emociones son muy importantes para mí a la hora de componer. En este tema, el hecho de dar el pecho a mi hija se convirtió en un pensamiento recurrente a la hora de emprender mi composición. Pensar en los meses que estaba en estado, la fuerza y el momento de dar a luz… Todo ese torrente de emociones los he intentado concentrar en esta canción“.

 

Tras su mesa de operaciones en la que se encuentra su launchpad digital (un ejército de botones perfectamente ordenados), los sintetizadores de voz y sus loops y samplers, Camille desprende una libertad arrolladora. A través de una voz versátil aparecen canciones que reivindican temas ecológicos, así como la situación política en la que nos encontramos. “Tal y como están las cosas, cada vez me apetece menos cantar sobre canciones de amor. Creo que es importante cantar sobre la desigualdad“, asegura Hèdouin, y lo hace mediante el mix de influencias que le han acompañado desde los 15 años: jazz, ritmos africanos, la música folk… “Yo defino la música que hago como ‘electrónica rural’, pero escucho muchas cosas, no tengo barreras. Me gusta mezclar”. El resultado es una propuesta original que vale la pena escuchar.

Sesión Sonora. La creatividad de las mujeres en la escena musical electrónica.

Sesión Sonora es una iniciativa que surge para dar visibilidad a las mujeres artistas del campo de la música experimental“, asegura Lorenza Barboni una de las organizadoras del ciclo de conciertos. El proyecto dio inicio en enero con la artista rusa Mary Ocher y desde entonces no ha dejado de crecer gracias a la gran acogida que ha recibido Sesión Sonora por parte del público. El lugar donde se da rienda suelta a la experimentación musical es el Casino Antiguo de Castellón, un emplazamiento que rompe absolutamente con todas las expectativas para el tipo de proyecto que se trata, tan poco conservador. Esta ubicación está premeditada al milímetro. “Queríamos que el sitio donde se celebraran las actuaciones contrastara completamente con este tipo de música y lo que comúnmente se asocia a esta”. Sin lugar a dudas, es el toque de contaminación lo que dota de una esencia única a un proyecto comprometido que ya está buscando a su próxima invitada.

30 años de fotografía musical. Tras el objetivo: Liberto Peiró

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Liberto Peiró (1968) lleva cerca de 30 años como fotógrafo de prensa musical y de conciertos. Sus inicios se remontan a la fotografía en salas de referencia del panorama musical valenciano de los noventa tales como Gasolinera o Babia. A través de su cámara han desfilado alrededor de 5000 bandas nacionales e internacionales. A día de hoy, es el director de la edición Comunidad Valenciana de la revista especializada de música Mondo Sonoro, una publicación mensual que da soporte a la escena musical emergente y que, actualmente, se encuentra en plena ebullición en la Comunitat. Además, su extensa trayectoria lo ha llevado a ser también fotógrafo oficial de diferentes festivales (FIB, BBK Live, Low y Sos 4.8 entre otros).

– ¿Cuáles son tus inicios en el mundo de la fotografía musical?

A mí me gustaban los conciertos y la fotografía desde muy joven. Al principio entraba con la cámara a escondidas en pequeños locales de Valencia y me estrené fotografiando a grupos bastante underground de la escena local y nacional. El primer concierto que fotografié fueron Los Buenos de Albacete en 1989. Más tarde empezaron a llamarme salas de conciertos y grupos locales. No olvidemos que estamos hablando de finales de los noventa, una época en la que toda la fotografía era en negativo y, evidentemente, en blanco y negro… Más tarde empecé a trabajar junto a un fanzine que se llamaba Wah Wah, y después con la revista musical On the Rocks. Y bueno, hasta el día hoy no he parado, 30 años que se dice pronto. No me quejo. También te digo que hubo temporadas en las que lo tenía que compaginar la fotografía con cualquier otro trabajo, pero sin dejarla de lado jamás.

– ¿Consideras que está valorado el trabajo de fotógrafo musical?

A ver, yo creo que la gente no lo valora como lo hacía antes. Ahora todo el mundo tiene un colega o un primo que tiene una cámara y sube como 40-50 fotos a sus redes sociales de cualquier concierto, ese mismo material es el que pillan las bandas, gratis, para su Facebook. Parece que no, pero Internet ha fastidiado mucho la fotografía. A fin de cuentas es un trabajo como cualquier otro y la gente todavía no entiende que el material no se puede pasar así como así. Fastidia cuando algunos grupos vienen y te dicen “pásame las fotos”, así, sin más. Yo siempre digo lo mismo, esto es mi trabajo. Es una pena, porque por culpa de esto ya no se hacen tantas sesiones de promo para bandas como se hacía antes, ya no me llaman ni a mí ni a nadie. Los grupos grandes todavía solicitan fotógrafos profesionales, pero los pequeños siempre hay una novia que hace fotos o tienen un móvil muy chulo que luego lo veo y bueno… A veces a la revista me llegan fotos que sí, esto muy chulo lo verás en la pantalla del móvil, pero esto no lo puedo publicar.noticia pie defoto

– ¿Cómo fue y qué supuso el cambio de la cámara analógica a la digital?

Cuando iba al principio a los festivales era un escándalo. Yo iba con 30-40 carretes cargados y compraba lo menos 30 metros de película. Tenía que revelar los negativos, luego los seleccionaba y ya más tarde escogía las fotos para mandarlas a los medios o a quien me las pidiera. El cambio fue radical y yo tardé mucho en meterme en el mundo digital de la fotografía porque era muy caro y, además, mis cámaras analógicas eran muy buenas. Entonces no era tan inmediata la cosa porque yo trabajaba para revistas mensuales y casi siempre tenía tiempo de sobra de revelar, seleccionar… Actualmente va todo demasiado rápido, pero es lo que tiene el mundo moderno. Ahora, todavía no ha acabado el concierto o el festival y las fotos ya están subidas en todas las redes sociales. Los negativos los tengo archivados por álbumes, tengo como 40 álbumes, y luego el paso a digital tendré algo así como 5.000 grupos diferentes fotografiados, de los cuales 1.000 han desaparecido, es algo verdaderamente exagerado. De hecho, tres meses de un verano me pasé informatizando el archivo de negativos para localizar las fotos porque ya me estaba volviendo loco.

– Has vivido la época de los 90 con la máxima proliferación de salas de conciertos (Estadio del Levante, Arena, La Fonteta…) ¿Cómo ves la decadencia de Valencia ahora que se ha quedado fuera del circuito de conciertos?

No hay promotores que se arriesguen a traer músicos porque luego no hay suficiente público… En aquella época existían salas como Arena, Pachá, Garage, donde cabían 3.000 personas por allí pasaba todo lo mejor, los Ramones, Blur… A día de hoy no hay ni una sala para ese aforo. Solo está el pabellón de la fuente de San Luis. La sala más grande en Valencia es República que tendrá como alrededor de 1.000 personas de capacidad, por lo que los promotores no se arriesgan. Además, es mucho más caro traer grupos de este estilo por lo que es complicado, lo que hay es un gran auge de todos bandas de todo tipo nacionales internacionales mas pequeñitas y en cuanto a salas de medio aforo Valencia está muy bien.

– ¿Dónde prefieres fotografiar, en festival o en sala?

Siempre en salas, aunque si son festivales pequeñitos o de medio aforo me lo paso bomba. Macrofestivales ya estoy muy cansado y me agobian. Los grupos son siempre los mismos, Izal, Sidonie, Lori Meyers… Que sí, las primeras veces que los fotografías bien, pero después de veinte veces en escenarios enormes en los que hacen siempre lo mismo… Además, en las salas la gente va de verdad a ver el concierto que quiere, entonces da mucho más juego tanto el público como los grupos. Aparte, en sala los bolos son más largos y la peña se involucra mucho más.

– ¿Cuál es la foto que te falta? ¿Tienes alguna fotografía favorita?

Últimamente tengo que tachar. Me hubiera gustado haber hecho foto a los Ramones y a los Beatles. De hecho, si yo empecé en esto de la música es por mi hermana que era súper fan.  A Metallica tampoco les he visto nunca… Al que me hubiera molado hace años, es a Nirvana, seguro, y eso que cuando salieron no le pillé demasiado el rollo al grunge.

En cuanto a mi foto preferida… Hay muchas favoritas, desde algunos años me aficioné a hacer saltos. Da mucho juego, de hecho hice una exposición hace muchos en el metro en Madrid en un festival  en el que actuaba gente el metro y yo colgué fotos solo de saltos. Es algo muy visual y hay gente que pega unos saltos espectaculares.

– Después de toda tu larga trayectoria, ¿qué es lo que te empuja a seguir igual como el primer día?

Me gusta la música y me lo paso bien, conozco mucha gente: promotores, sellos discográficos, grupos… Mis amigos cuando llegan a Valencia flipan. Vamos a ir un concierto y yo no tengo ni que acreditarme. Yo en Valencia hace años que yo no me acredito porque me conocen y saben que voy a trabajar. Me respetan y hay muy buen rollo entre todos. Aparte ahora tengo dos hijos y se ha vuelto muy complicado, porque todos los fines de semana y entre semana hay conciertos, por lo que al final es pasión si no no estaría aquí. Ahora estoy viviendo de ello, es lo que sé hacer. Llevo toda la vida peleando y reivindicando esta profesión. Ahora que vivo de ello no voy a dejarlo.

Descubriendo ‘Diàlegs’

¿Qué es lo que pasa cuando el arte sonoro y la música entran en contacto?

‘Diàlegs’ es una performance en la que solistas instrumentales interactúan con las instalaciones sonoras de la exposición de José Antonio Orts del Espai d’Art Contemporani de Castelló a través de improvisaciones modernas. El objetivo principal de la actuación es vincular el arte sonoro de la obra ‘Espais Sensibles’ con la propia música.

*Puedes escuchar la entrevista completa a José Antonio Orts sobre ‘Espais Sensibles’ aquí.

La vuelta del vinilo: el retorno del héroe

El vinilo está de vuelta, es una realidad. El romanticismo que le envuelve, el diseño de las portadas así como toda la historia que tiene detrás uno de los soportes que ha conferido mayor calidad a la música a lo largo de la historia han sido aspectos decisivos que han influido, sin duda, en su retorno.

En este reportaje hablamos con Vicente Fabuel, dueño de la tienda de vinilos ‘Discos Oldies’, Enrique Vila, pinchadiscos que regentó el pub de rock ‘Malafama’ en los 80 y Manolo Sanchis, coleccionista valenciano de más de 8000 piezas. Colocamos la aguja sobre el plato… ¡Empezamos!

ENLACE AL PODCAST: https://fr.ivoox.com/es/vuelta-del-vinilo-realidad-audios-mp3_rf_26581051_1.html

Para anunciar la publicación de este reportaje, desde el perfil de Twitter de Circuito Tocadiscos (@c_tocadiscos) se lanzó el hashtag #MiViniloFavorito. Una propuesta que ha tenido una gran acogida por parte de los seguidores. Recordad que podéis continuar participando para hacer crecer mucho más esta impresionante colección de discos que estamos creando poco a poco entre las piezas más valoradas de cada uno de vosotros. Grandes clásicos, referencias locales y géneros que versan desde el pop pasando por el punk y el rock están haciendo de la biblioteca de Circuito Tocadiscos una verdadera joya. ¡Larga vida al vinilo! 

De Lira Ire – Dûrga

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Lanzado: Mayo 2018                        Duración: 43′ 00”

Discográfica: Sona La Dipu                Género: Post Rock

 

De Lira Ire se mueve en torno a una idea central muy concreta. Si bien en el último EP de los valencianos Dûrga la raíz temática que vertebraba el disco era la denuncia hacia el maltrato a la naturaleza por parte del hombre, este álbum lo hace a partir del constante estigma que se crea alrededor de las enfermedades mentales. Así, el mensaje de contenido social es claro: derribar las barreras que impiden normalizar todo lo referente a la salud mental. 

Es, precisamente, el título que da nombre al álbum ‘De Lira Ire’ una expresión en latín que tiene mucho que ver con esta idea, pues aparece muy relacionada al concepto de delirio y a salirse “del camino correcto” o de “la norma”. 

Así, de estos desgarradores ecos nacen ocho temas que, a su modo, dan voz a una banda que proyecta el universo de lo que piensa a través de la música más que con la letra. Es por ello que el grueso del disco se desarrolla en un fondo instrumental, lo que refleja y señala a una de las influencias más punteras del género post rock y rock instrumental de nuestro país, los madrileños Toundra.

Sin embargo, a diferencia de estos que componen única y específicamente música instrumental, su contundencia sonora solo se reafirma a través de unas letras sólidas que viajan acompañadas, en algunas ocasiones, de paisajes más melódicos como en “Amentia”, “Stella” o “Lux” pasando por una ambientación única en “Nux” o “Iratus” y llegando a alcanzar, incluso, escenas recitadas en su último tema, “Addenda”.

Es por tanto que, para mí, el éxito de este trabajo reside en la clara impronta de una personalidad férrea que se asienta a partir de la combinación justa de ambos elementos. La clave exacta para anticipar un directo brutal a partir de un disco que sobre los escenarios llevará este sonido al máximo exponente.

durga siDûrga es un trío valenciano de post rock compuesto por Santi Campos (guitarra y voz), Carlos Camps (bajo y voz) y David Arán (batería y voz). Los jóvenes emprendieron este recorrido bajo el nombre de Dûrga en el año 2016. Tras un primer EP repleto de éxitos, Venjança, los valencianos se embarcaron en una extensa gira hasta México y Austin, con motivo del primer premio de Sona La Dipu. Desde entonces no han dejado de celebrar conciertos y, ahora, lanzan su segundo trabajo De Lira Ire.

 

Heatwaves, el retorno a los 60

“Estamos en búsqueda de nuestro sonido definitivo”

La banda de power pop castellonense Heatwaves lanza su segundo EP, Heatwaves #2, una combinación adictiva entre estilo propio y sonido 60’s que, acompañado de los juegos vocales de Ana Beltrán, es la que logra atrapar al que lo escucha en una atmósfera retro única.

20645464_1924754134471667_4001718957501787144_o.pngFoto: Wally Sanz.

Nuevo trabajo y objetivos definidos. Si algo quiere transmitir Heatwaves con su nuevo EP es la ambición de avanzar hacia un estilo propio. “Queremos desarrollar un sonido característico del grupo, que con el primero lo conseguimos creo que a medias ya que nuestra música estaba más enfocada al sonido de grupos de chicas de los 60. Con este último EP damos un pasito más en cuanto a los arreglos, producción y al estilo de las canciones“.

En la línea de su primer disco, la banda apuesta por expandir sus límites y buscar su camino. Todo ello a través de unas letras que siguen la senda autobiográfica de su autora y cantante, Ana Beltrán: “Inevitablemente el amor es un cliché universal y cuando escribes música así siempre hay cierta nostalgia”. De este último sentimiento es el que queda impregnado “In My Teens”, su single principal que pronto tendrá videoclip propio. “Ese tema tiene una nostalgia especial porque yo hace tiempo que ya salí de la adolescencia y la echo mucho de menos. Habla de una chica que va por ahí rompiendo la pana y luego se da cuenta de que la vida no es solo eso. Al final madura y encuentra una relación que le echa en cara ciertas cosas que hizo en el pasado y ella le replica un poco que ya no es así. ¡Aunque me encantaría volver a my teens!“, asegura Ana entre risas.

De cuatro canciones que presenta el EP destaca “Question de Temps”, el único tema en francés. No es casualidad, el bajista Jose Dolz es coleccionista de Françoise Hardy: “La idea surgió porque me encanta toda la música francesa de los años sesenta. Así que decidimos orientar la producción de este tema hacia los discos de Françoise Hardy: muy poca guitarra, sonido muy limpio y mucho reverb en la voz. Es una canción que si estuviese en un LP de 12 canciones sonaría totalmente diferente“.

Inspirados, precisamente, por la música francesa de los sesenta sorprende que sigan incluso el formato con el que artistas como Johnny Hallyday sacaban sus trabajos en esa época: solo EP’s. “No somos un grupo que vayamos a tener un desarrollo para vender CD’s, así que decidimos hacerlo como una cosa que nos apetecía hacer a nosotros”, explica Jose, “aparte lo bueno es que entras más veces en el estudio, que grabar es muy chulo. Meterte en el estudio para grabar 15 temas es un esfuerzo brutal, en cambio grabar cinco o seis temas es más bien un capricho porque es carísimo, pero así también nos aseguramos de que no hay ninguna canción de relleno“.

En directo interpretan algo menos de veinte temas, ocho pertenecientes a sus EP’s y varios temas inéditos. Material no les falta y, por ahora, siguen componiendo y preparando lo que será su Heatwaves #3. “Nuestro objetivo es seguir creciendo y seguir sacando EP’s, aunque no cerramos la puerta a sacar un LP con todos los descartes y el material grabado“, aclara Jose. “Lo principal es mejorar el sonido y grabar cada vez más. Tocar mucho en directo. No hay secreto… Cuanto más tocas, mejor suenas”. Y nosotros no queremos dejar de escucharles.

 

Red Pier Fest a ritmo de rock

El rock and roll ha vuelto a tomar el Grao de Castellón con la llegada de la segunda edición del Red Pier Fest. El festival ha acogido tres intensas jornadas de música que ha variado desde el más puro estilo rockabilly, pasando por el rock psicodélico hasta llegar a alcanzar, incluso, el grunge. En un evento tan heterogéneo en cuanto a géneros, lo raro hubiera sido no acertar.

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El viernes arrancaba con la actuación de Patri & The Greasers que fueron los encargados de estrenar el escenario ante ya un buen número de asistentes. El más puro rockabilly dio paso a los maravillosos clásicos del blues de la mano de Aisha & The Ray-Band. La banda interpretó versiones de Tina Turner y famosos temas como el clásico “A change is gonna come” o la archiconocida “Tainted Love”, canción que, como explicó la cantante, forma parte de la década de los 60 a pesar de que la mayoría de gente la asocie a Soft Cell y a los 80. 

Mike Sánchez & The Band se coronó como uno de los directos más impresionantes de esta segunda edición. El público asistió a una apasionante lección de historia de la música moderna que repasaba desde los inicios del rock and roll, hasta el blues y el boogie. Todo ello a través de un carismático Mike Sánchez que, casi de forma autobiográfica, contaba sin despegar las manos de las teclas sus inicios en la música y de cómo se conocieron los componentes de una banda con una complicidad y una cohesión total sobre el escenario. Así, hicieron sonar un inagotable arsenal de clásicos enlazados uno tras otro. Todo ello sin un setlist premeditado, por lo que la banda dejó que el propio público fuera también el que decidiera lo que quería escuchar, como el último tema de Chuck Berry “Heebie Jeebies”.

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La noche continuó con el explosivo concierto de Los Marañones que, como siempre, contaba con una base rítmica muy potente. Repasaron su discografía desde sus temas  más identificativos como “Mi gato se llama Persona”, sin olvidar uno de sus trabajos más recientes, A Contratiempo.

El último concierto de la jornada contaba con unos Travellin’ Brothers llenos de energía. La banda de Bilbao supo transmitir ese género swing que les caracteriza de una manera muy personal con varios temas de su álbum One day in Norway e incluso se atrevió con una versión del tema de Allman Brothers “Loving Place”.

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La segunda jornada del festival estuvo marcada por el evidente cambio de perfil de público respecto al viernes, que pasó de rocker a algo más heavy. La rabiosa actuación de las chicas de Bala tenía bastante que ver con esto. El escenario del Red Pier se dejó inundar por el sonido punk y las potentes voces de las chicas que lograron congregar a bastante más gente joven que el día anterior. 

Depressing Claim fue, probablemente, la actuación más emotiva de los tres días. La banda había vuelto a reunirse con motivo de la celebración de 25 años de Radio Surf, su primer disco. El quinteto castellonense ponía fin a esta reunión y a su vida punk sobre los escenarios, precisamente, en este último concierto. Así, los vimos dejarse la piel ante unos asistentes más que entregados que conocían gran parte de sus temas de los que “Luchando contigo” y “Loco Por ti” no podían faltar.

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Pronto llegó el turno de actuar a The Limboos. Su original Rythm & Blues sigue sorprendiendo cada vez que salen a escena. Con una actuación en la que la intensidad iba más bien in crescendo, la banda no dejó de tocar los ritmos latinos que los identifica en un show en el que difícilmente se podía parar de bailar. Así, interpretaron los temas de su último LP Limbootica! Un cuidado trabajo que versa entre la Bossa brasileira, la rumba y el soul.

El último concierto del sábado vino por parte de los ácidos Capsula. Considerada como una de las mejores bandas de rock en España, su soberbio directo acompañado de una actitud única sobre el escenario hizo enloquecer al público en cuestión de segundos. Con una fuerza arrolladora, cantante y bajista mostraron una energía desbordante que  traspasó, literalmente, a pista cuando Martín bajó a tocar junto a sus fans. La psicodelia estaba servida, y la dosificaron muy bien haciendo un mix entre sus propios temas y las versiones del gran David Bowie “Suffragette city”, todo un referente para la banda, y la ya clásica canción para los directos “Mejor no hablar de ciertas cosas” de Sumo.

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Abría la tarde de la última jornada del festival con el power pop de Heatwaves. Presentando su último trabajo, Heatwaves #2, la banda castellonense, muy dinámica sobre el escenario, hizo disfrutar con su animado sonido de las Girl Groups de la década de los 60. Con su nuevo EP Heatwaves ha reforzado su estilo, algo más personal, sin abandonar sus influencias. Hicieron sonar tanto los temas de sus dos últimos EPs como algunas canciones inéditas, que en un futuro próximo tomarán forma de tercer EP.

La madrileña Nat Simons acercó al público el género country americano. Con temas en los que la guitarra se afianza como la gran protagonista, la banda interpretó sobre todo canciones calmadas, llegando incluso a contar una historia, como lo hicieron con “Into the Woods”. Crearon, sin apenas esfuerzo, una cálida atmósfera en la que todos los presentes se vieron envueltos. 

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Con la mezcla entre reggae, rock y ska del grupo castellonense Bandits se daba fin por todo lo alto a una edición de Red Pier Fest perfecta en su organización. Buen ambiente, gran variedad de bandas y una localización ideal hacen de este festival de rock una apuesta segura y un referente para el resto de eventos musicales de la provincia.

 

 

 

Entrevista a José Antonio Orts: La música y el arte sonoro

Espais Sensibles es la creación del artista y compositor valenciano José Antonio Orts. En el podcast de hoy nos adentramos en todo su proceso de creación para conocer de dónde viene el término “arte sonoro” y su relación con la música.

Su obra ya se ha llevado a multitud de museos y su objetivo principal es crear un vínculo entre las instalaciones sonoras y el espectador muy personal por lo que, por una vez, el que observa es casi tan importante o más que las propias piezas expuestas. 

Todavía se puede disfrutar de la exposición Espais Sensibles en el Museo de Arte Contemporáneo de Castellón hasta el día 27 de mayo, una oportunidad única para vivir en primera persona lo que significa “dialogar con obras de arte”.

ENLACE AL PODCAST: https://fr.ivoox.com/es/entrevista-a-jose-antonio-orts-la-musica-y-audios-mp3_rf_26098518_1.html

 

Diefenbach_JoseAntonioOrts-0043-768x512Jose Antonio Orts (1955). Es un artista plástico y compositor nacido en Meliaca (B.Roca). Se le conoce como el artista español más importante en la especialidad de arte sonoro. Ha sido becado y premiado tanto por organizaciones nacionales como internacionales y su extensa obra es apreciada alrededor de todo el mundo. Sus piezas artísticas se han trasladado a una gran cantidad de importantes museos internacionales como el Centre National des Arts Plastiques Villa Arson (Niza), Fondation Maeght (Saint Paul de Vence), IVAM-Centre del Carme (Valencia), Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago), Museo Marugame Hirai (Kagawa, Japón), Museo de Bellas Artes Juan Manuel Blanes (Montevideo), Koldo Mitxelena (San Sebastián), Museo Universitario Contemporáneo de Arte de la U.N.A.M. (México D. F.), I Bienal de Valencia-sala La Gallera, IVAM-Centre Julio González, Skulpturenmuseum Glaskasten Marl, Grosser Wasserspeicher (Berlín), GKG (Bonn) entre otros.

El Sombrero de Color sonando por el Comercio Justo

El sábado 12 de mayo tuvo lugar, alrededor de las siete y media de la tarde, la actuación de una de las bandas de indie funk más prometedoras de CastellónEl Sombrero de Color ha dado todo de sí mismo en colaboración con la solidaria jornada de la Fiesta de de la Cooperación Internacional y el Comercio Justo. La música llena de optimismo de los castellonenses ha sonado al ritmo de la sensibilización social acerca del consumo responsable y los derechos humanos en un evento repleto de actividades lúdicas para toda la familia.

El templete de música del Parque Ribalta ha sido la localización perfecta para un concierto a media tarde. Envueltos por los últimos rayos de sol del atardecer, la banda ha interpretado todos sus mejores temas por lo necesario que supone la toma de conciencia  de la población de acoger “un modelo alternativo de producción y consumo que rechace la explotación infantil y la esclavitud”, palabras de la propia organización.

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Así, con un público al principio algo tímido, el cantante Juanan Corcuera dio inicio al espectáculo agradeciendo la oportunidad que se les había brindado de tocar “por una muy buena causa”. La banda dio un repaso tanto a los temas de su último trabajo Todo un Año Bailando como el LP que los dio a conocer Somos Distintos, Somos Iguales.

En una actuación más bien progresiva y gradual, “Bailarina” fue una de las canciones que el grupo escogió para ir calentando motores. Muy dinámicos sobre el escenario y con una actitud arrolladora, se pudo disfrutar de varios de los temas que dan nombre a los meses del año de su último álbum. “Septiembre”, con un tono más funky y desenfadado hizo saltar y bailar a todos los presentes, mientras que “Abril”, canción que comienza recitando Juanan Corcuera, dio el toque rítmico que se esperaba. Además, no olvidaron interpretar sus clásicos de los que “El Farol” y “Bailándole al Cajón” no podían faltar. “Juan Calle”, por su parte, fue el tema que eligió Víctor Pajares, su gran guitarrista, para sorprender al público con sus virguerías.

Después de una agitada hora y media de música en directo, el concierto de El Sombrero de Color puso el broche de oro a una jornada repleta de solidaridad y con una gran participación por parte de los asistentes.

1145350_1El Sombrero de Color es una banda de indie funk de Castellón de la Plana formada por Juanan Corcuera (voz), Víctor Pajares (guitarra y coros), Víctor Nebot (bajo y coros) y Álex Corcuera (batería). Han tocado en numerosos conciertos y grandes eventos como el Arenal Sound 2013, el Amstel de Morella 2014, el Festival Undergrau 2014, el Fecstival 2014 y Música en las Alturas 2016, entre otros. En 2015 ganaron el primer premio en el Concurso Music Awards entre más de 40 bandas nacionales. El año pasado lanzaron su último trabajo Todo un año bailando.

Rock | Love | Truth – Bob Lazy

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Lanzado: Diciembre 2017               Duración: 41′ 28”

Discográfica: Autoeditado              Género: Rock Psicodélico

Rock | Love |Truth es el disco de debut de Bob Lazyuna combinación especial escogida de forma muy cuidada que integra doce piezas pop/rock con tintes psicodélicos. Los años 60-70 se materializan en un trabajo que brilla por su sonido tan descriptivo y de ambiente californiano y juvenil.

Si se piensa bien, alrededor de 1970 se ubica la década de mayor expansión de la música popular: The Beatles, Lou Reed, Syd Barret… En este álbum todas estas melodías, fuente de inspiración inagotable todavía a día de hoy, se recogen para crear una atmósfera nostálgica  de ese tiempo. Los temas, cuidados hasta el último detalle, versan desde las texturas más rítmicas y bailables como en “Golden Little Seeds” o “Hello Fantasy” pasando por una adictiva psicodelia en “God the gambler”, “Man and Lizard” o “Shelter Tent” hasta tocar, incluso, al género groove y el jazz en algunos puntos. No obstante, el sonido beatleliano es una constante en el disco, como en “Mister Campbell”.

Pero tampoco hace falta trasladarse cincuenta años atrás para relacionar estas influencias con la música de Bob Lazy. Sin ir más lejos, el universo que crea alrededor de “Lazy Claims” bien podría constituir un single más de This Old Dogel último álbum del británico Mac DeMarco, lanzado a principios de junio del año pasado. Este ha construido un romanticismo propio y sencillo entorno a su música más que identificativo, que aparte se asocia muy bien al ambiente que aparentemente busca alcanzar, y lo consigue con creces, Bob Lazy con Rock | Love | Truth. Una recomendadísima joya para disfrutar de un sonido diferente al género indie común. Se trata de un LP envuelto en un aroma clásico, inspirador y, sobre todo, placenteramente adictivo.

 

descargaBob Lazy, Borja González-Ayllón (1991) cantante, compositor y músico de la banda de origen valenciano. Ha colaborado en un buen número de propuestas musicales (DJ, baterista freelance de jazz funk o incluso en bandas como Daze of Dawn o Versus Five. También ha girado por España con un homenaje a The Doors. Rock | Love | Truth es su primer proyecto completamente en solitario, junto al productor Paco Loco.